Las 9 sedes de toda la ciudad

Con la presentación de 123 títulos de 35 nacionalidades diferentes, de los que 77 aún son inéditos en España, en 9 sedes ubicadas en toda la ciudad: La Filmoteca Española, Cineteca de Madrid, Museo Reina Sofía, Casa de America, Circulo de Bellas Artes, Sala Equis, Nave 0 de Matadero, Universidad Complutense de Madrid y El Instituto Francais de Madrid.

Rita Maestre, quien es la portavoz del Gobierno municipal, asistió a una presentación del certamen que se llevó a cabo en la Sala Azcona de la Cineteca de Madrid, y coloco en valor el formato documental, que según su juicio demuestra, que existe una infinidad de maneras de mirar y contar un mismo hecho real y verídico, como lo son los acontecimientos históricos, los conflictos y guerras, en los que existen “casi tantas formas de narrarlo como humanos que lo viven”.

Las muestras de con La 19ª edición de DocumentaMadrid

De igual manera Maestre destaco que de las 1.500 piezas que han recibido los codirectores de este Festival, Andrea Guzmán y David Varela, han sido seleccionadas  123, de las que compiten oficialmente 53.

En esta competición internacional, Guzmán quiso ensalzar “las magníficas producciones europeas”, que todos los años se presentan, especialmente la belga, correspondiente a esta edición, así como la calidad y la variedad de lo producido en Latinoamérica, destacándose la producción argentina.

El intercambio de cine español

Las actividades paralelas han dedicado un ciclo a lo que es el intercambio del cine español y latinoamericano “Espejos firmados”, en una colaboración con la Casa America en los que se proyectaran 6 trabajos de ese continente, todos de distintos países: Brasil, Perú, México, Colombia, Argentina y Cuba.

En la pasada competencia nacional, destaco Varela, siguiendo las trayectorias de algunos cineastas españoles durante 3 años, con el objeto de apoyar, el llamado cine de autor, que ha sido calificado por el mismo como “frágil”,  así como con Nayra Sanz Fuentes,  lo hizo con la filmografía, que estrenará este mismo año, un cortometraje llamado “Selfie”, de una duración de nueve minutos.

Varela hizo una aclaratoria que no serán solo estrenos, para facilitar a algunos cineastas, un servicio en función del festival del cine público, para que difundan su obra.

Las novedades de la 19° edición

 Los organizadores han querido resaltar la colaboración brindada por la Universidad Complutense de Madrid, siendo esta la primera ocasión en que DocumentaMadrid puede contar con la importante participación de esta universidad pública, que permitirá que en su sede se incluyan algunas proyecciones, debates y conferencias y se organice la convocatoria académica para que  los estudiantes  presenten y proyecten los trabajos audiovisuales que han preparado.

También será nueva sede el Museo Reina Sofía, en donde se hará una retrospectiva de la cineasta de origen francés Sarah Maldor.

En el Circulo de Bellas Artes y la Nave 0 del Matadero, se presentara el ciclo “Escenarios de Guerra”. Con una mirada a los derechos humanos, los conflictos bélicos, una mirada a la relaciones postcolonial y la que se da entre la vida y el arte.

La Sección Internacional

Estará conformada por 18 títulos, y todos serán estreno en España, entre los que se encontraran los más recientes trabajos de los directores Eric Pauwels “Journal de Septembre”, Nikolaus Geyrhalter “The Border Fence”, Mary Jiménez y Benedicte Lienard “By the Name of Tania”.

La Sección Nacional

Incluye las obras de Lluis Escartin “Hasta que las nubes nos unan, Guardiola-Diola”, a Xapo Ortega y Xavi Artigas “Idrissa crónica de una muerte cualquiera”, Adán Aliaga y Alex Lora “El cuarto reino”.

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Sergio C. Fanjul,  actúo como una suerte de bisagra entre las dos generaciones, este se creó un nombre debido al género y a la vez haciendo uso de los escenarios y las redes sociales.  Organizada por la cadena SER y El País y colaboraron las Loterías y Apuestas del Estado, en el marco del programa para el fomento de la lectura, de manera adicional para celebrar el Día del Libro para reflexionar sobre poesía urbana como una herramienta para atraer a lectores nuevos con la contribución de las redes sociales para alcanzar el auge de este género poético.

García Montero que es director del Instituto Cervantes afirma que “La poesía no es un desahogo o el resultado de una campaña de publicidad. Corremos el peligro de confundir la buena poesía con un libro que vende mucho” y que “La nueva realidad digital está creando una relación muy rápida entre lo privado y lo público, un espacio en el que se ha movido siempre la poesía, por eso se ha puesto de moda. Insisto en que la poesía es buena siempre que dignifique la relación entre lo privado y lo público y no caiga en los contenidos basura que se transmite a veces en las redes sociales”, este poeta es uno de los autores que defendieron a principio de los años 80 la sentimentalidad que lo alejo del hermetismo y los novísimos de las generaciones anteriores.

Jesús Ruiz Mantilla que es escritor y periodista, además de moderador de una charla sostenida entre Fanjul, García Montero y Luisa Castro, y de cómo el género ha sido marcado por el Internet. En el pasado el poeta no se sentía tal, hasta que publicara su libro, en la actualidad lo eres desde que el momento en que compartes en las redes sociales el primer poema, y el libro acaba siendo un trofeo o un accesorio.

El objetivo del encuentro

Este encuentro Poesía 4.0, ha logrado darle voz a estos autores que son la viva representación del fenómeno llamado poesía mainstream, urbana o parapoesia, David Galán Redry, vallisoletano, Loreto Sesma zaragozana, Miguel Gane, rumano y Ana Elena Pena, murciana, en una sala con 200 personas, y acompañados por Cesar Ausejo, sentado al piano, en un micrófono abierto sostuvieron un dialogo atravesando sus versos.

Los Poetas

La estudiante de Periodismo Loreto Sesma, ya ha publicado un ensayo sobre El Príncipe (Maquiavelo), y cuatro poemarios, siente que a quienes publican en las redes los meten en un mismo saco aunque no sean iguales.

Redry es un maestro de Educación Infantil, que uso el autobús en el que iba al instituto como su primera red social, pues pegaba a los asientos post it, con poemas escritos. Y confiesa que no le importa que al publicar en las redes que su audiencia se un puñado de sus amigos o un millón de personas.

Miguel Gane cuenta con 450 mil seguidores en las redes sociales, antes le molestaba mucho no ser tomado en serio, lo que ya logro superar, y esto debido a que comenta que el saber que una de sus lectoras le haya confesado que un poema suyo le salvo la vida pues iba a suicidarse, y que sus versos son leídos en su mayoría por mujeres entre los 18 a 34 años.

Por su parte Fanjul miembro de Los Peligro un dúo formado con Liliana Peligro,  y autor de cuatro poemarios, reflexiona sobre la vivencia actual del auge de estos jóvenes que han superado el establishment de los poetas.

El fenómeno de las Redes Sociales

Lo ocurrido en las redes sociales en las que se está atrayendo y desarrollando el gusto y la atención por lo que significan las palabras. Es muy distinta la sensación a cuando te toca estar a la altura de un jurado de un editor o de un premio, es más fresco, más libre.

El evento concluyo con la presentación de Marlango, un dúo formado por la voz de Leonor Watling y el piano de Alejandro Pelayo,  quienes tras 15 años de investigación y cambio de registros siguen sorprendiendo a su audiencia.

La Explosión de las Redes Sociales

Este fenómeno de las redes sociales se evidencia cuando sabemos que Miguel Gane tiene 289 mil seguidores en la red social Instagram, que es la más popular, Redry tiene 207 mil, Loreto Sesma 68 mil y Ana Elena Pena poco más de 16 mil.

La Evolución de los Recitales

Estos han cambiado su formato con el paso del tiempo, en sus inicios fue en bares pequeños de algunos barrios. Hoy día es en teatros de mediano tamaño.

Por su parte las entradas para este tipo de espectáculos oscilan de 10 a 15 euros.

Las Editoriales

Visor es una de las editoriales que publica más de estos autores, le sigue Espasa del Grupo Planeta y Aguilar de Random House, que han publicado de forma paralela poesía, debido al éxito que han alcanzado los milenials.

Los Premios

El año pasado Redry ganó el premio de Poesía Espasa de 20 mil euros, con Huir de mí. Loreto Sesma, gano el Ciudad Melilla en 2017 con Alzar el duelo de 18 mil euros, y Miguel Gane fue nominado a Premio Nacional de Poesía en el año 2017.

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Esta muestra está compuesta por 33 imágenes creadas por el artista Antonio Santos

Esta muestra será inaugurada en el Museo ABC, una jungla bien particular, que fue creada por este artista con el fin de ilustrar la edición que hizo Nórdica del clásico homónimo ganador del premio a Libro Mejor Editado en el año 2018 otorgado por el Ministerio de Cultura.

La misma jungla

Horacio Quiroga es considerado como el maestro del cuento latinoamericano, este uruguayo publico este cuento clásico en el año 1918. Compuesto por ocho relatos, donde logra volcar su experiencia en la selva, y lo hace por intermedio de los animales, los humanos y la impredecible naturaleza. Esa jungla que le sirvió de inspiración a Quiroga fue la que contemplo Santos mientras leyó por vez primera el libro «Estoy casado con una chica argentina. Un verano estuve en Rosario, que está al borde del Paraná, del río de la Plata. La abuela de una amiga me regaló este título y, claro, eso fue un privilegio, lo leí desde el escenario», explicó Santos.

Para poder emprender esta tarea ilustrativa, este escultor, recordó con nostalgia como su padre lo llevaba con bastante frecuencia al Museo de Ciencias Naturales y la forma como estos representaban la realidad en dioramas le gustaba. Era una manera de darles un contexto a esos bichos disecados.  Bajo la misma premisa preparó las escenas, que son 33 que componen la muestra, en las que podemos ver a la boa constrictora, al tigre, a la serpiente de coral o al puma.  Los dibujos que de acuerdo con lo dicho por Santos, en cierta forma han sido esculpidos, esto porque poseen la misma cualidad que las esculturas, la sombra es la que proyectan, y no la dibujada, y gracias a ella percibimos la tridimensionalidad, y de esa sensación como de juego, que según el artista es a lo que en realidad se dedica desde muy pequeño.

La exposición

Esta muestra de nombre “Cuentos de la Selva por Antonio Santos” que se presenta en el Museo ABC expone 33 dioramas originales, que el artista originario de Osca, materializo para ilustrar los cuentos de la selva  de Horacio Quiroga, en la edición Nórdica de la obra del escritor uruguayo. Esta edición recientemente fue premiada como el Libro Mejor Editado del año 2018, premio otorgado por el Ministerio de Cultura. Esta exposición dará inicio el jueves 28 de marzo hasta el 16 de junio.

Recreando a través de los dioramas, el lado hostil de la selva, en completa sintonía con el relato de Quiroga, que son unos relieves formados por la superposición de unos planos de cartón que han sido pintados con acrílico. Generando asi un juego de sombras que partiendo de capas, que tienen la capacidad de introducir al visitante dentro de un mundo en penumbras donde no se sienta seguro, transportándolo asi a la más salvaje naturaleza,  con protagonistas como el tigre, el oso hormiguero, la boa constrictora, la serpiente de coral o el puma. En total 33 escenas que son una representación del ecosistema variopinto que hay en la selva amazónica.

El libro “Cuentos de la Selva”

En toda la America Latina, cuentos de la selva es una lectura recomendada, especialmente en las escuelas, asi mismo esta invitación es extendida al lector español, sin distingo de edades, pues este relato logra que pueda acercarse e incluso hermanarse con los lectores americanos.  Quiroga logra retratar al ser humano y tambien a la naturaleza, lo que lo descubre como el seguidor de Rudyard Kipling y  Edgar Allan Poe, que es, Santos logra ilustrar a la naturaleza como terrible y poderosa, con la edición de Diego Moreno y con el diseño y la maquetación de Pep Carrió, esta edición que ha sido publicada por la editorial Nórdica es según muchos la mejor hasta ahora.

Al leer los ocho relatos que conforman el libro se logra sentir como nos introduce a la selva con animales y algunos pocos humanos, en la que se viven peligrosas y emocionantes situaciones contadas con algunas dosis de humor. Por ejemplo como se las ingeniaron los yacarés para salvar el rio de las amenazas de los hombres, o el motivo por lo que los flamencos siempre se paran sobre una sola pata, o la historia del coatí que para poder vivir con unos niños tuvo que sacrificar su libertad, o la tortuga que cargo a un hombre sobre su caparazón para salvarle la vida. Ofreciendo asi con los cuentos de la selva, un canto a la solidaridad y a la naturaleza.

Origen de los dioramas

Fueron Louis Daguerre y Charles Marie Bouton quienes en el año 1822, expusieron por primera vez, una imagen a través de un diorama, que no es otra cosa que un escenario oscurecido, que sirve precisamente para visualizar imágenes, y esta palabra diorama proviene del griego “di” que significa a través de, y “orama” que significa una vista.  En el año 1900 este logro evolucionar y se transformó en lo que conocemos actualmente, una pequeña replica a escala de una escena. Hoy en los museos de historia natural del mundo, los usan para dar una ilusión de realismo y profundidad espacial a una escena o a un suceso histórico.

El autor de la muestra, Antonio Santos

Antonio Santos nacido, en Huesca en el año 1955, durante su infancia visitó de forma asidua y en compañía de su padre,  el Museo Etnográfico y el Museo de Ciencias Naturales de Madrid, y fue allí donde inicio su fascinación por los dioramas, pues podía sentir con sus ojos infantiles como los animales allí expuestos podían cobrar movimiento y vida, ya desde esa época desarrollo una fijación obsesiva por la representación de la realidad, que se logra a través de los dioramas, y es por eso que con esta muestra que consta de 33 y que se expone en el Museo ABC, intenta explicar esa realidad.

Pero Santos además de ser ilustrador es escultor, pintor, escritor, en la Universidad de Barcelona, estudio Bellas Artes y ha realizado exposiciones individuales, más de sesenta, ya tiene trece años ilustrando libros y desde esa época ha publicado en total cincuenta títulos, ha sido galardonado con premios como el Daniel Gil al mejor Libro Infantil en el 2003 y en el 2004 obtuvo el segundo Premio Nacional de Ilustración. Entre sus obras se encuentran Gruvi, El viaje de Pancho y E sueño de Marta.

El autor del libro, Horacio Quiroga Forteza

Nacido en Salto, Uruguay en 1978, falleció en la Argentina, en la ciudad de Buenos aires en el año 1937. Viajo a Paris, vivo en la selva, estuvo casado dos veces, logro construir un barco y además tuvo dos hijos.  Es considerado como el maestro del cuento latinoamericano, además de su destacado desenvolvimiento como poeta y dramaturgo. Entre sus obras se encuentran Cuentos de la selva, Cuentos de amor, de locura y de muerte, Historia de un amor turbio. A los cincuenta y nueve años y tras una larga enfermedad puso fin a su vida ingiriendo cianuro.  

El Museo ABC

Se encuentra ubicado en Madrid, fue inaugurado en el año 2010. Su fondo son más de 150 mil ilustraciones y dibujos, con las firmas de más de mil quinientos artistas, conserva, estudia y difunde la Colección ABC, diseña y desarrolla actividades en el ámbito de la ilustración contemporánea y el dibujo como lo son la animación, el grafiti y el comic, logrando asi ser un lugar de referencia en España y el continente.

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Se han programado una serie de actividades y las proyecciones que estarán llegando a la Sala Alcalá 31 y al  Cine Bellas Artes como sedes principales, al igual que a un total de 68 municipios de la Comunidad de Madrid.

Jaime de los Santos que es el Consejero de Cultura, Turismo y Deportes presentó  el pasado martes 12 de marzo, el programa de lo que será esta vigésima primera edición en la Casa de América. De los Santos también afirmó que el certamen busca promover en el público madrileño la importancia artística que tiene el cortometraje y los  valores que también tiene la cinematografía para el desarrollo cultura de nuestra comunidad.

El Consejero también destacó la calidad de este certamen que ya es tomado como una muy importante referencia para la obra de los realizadores, para los espectadores y especialmente para quienes se declaran como amantes del cortometraje.

La XXI Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid como ya es costumbre contará con su conocida Sección Oficial Competitiva,  al igual que con un nutrido programa de talleres y actividades cuyo objetivo primordial es permitir un acercamiento y una profundización de los diferentes aspectos de la dirección y producción de cortometrajes. Adicionalmente  la Sala Alcalá 31 y el Cine de Bellas Artes seran las sedes centrales de todas las actividades y de las proyecciones.

Colombia como país invitado

Este año se cuenta con Colombia como el país invitado y se han programado un variado repertorio de cortos provenientes de festivales como el Bogoshorts, que es uno de los más importantes festivales de cortometrajes de Iberoamérica y que se celebra todos los años en la ciudad colombiana de Bogotá.

Los premios para los participantes del certamen

Un total de 41 títulos seran los que participarán en la Sección Oficial Competitiva, todos los participantes fueron beneficiarios pues recibieron subvención de la Comunidad de Madrid. Los cortometrajes optarán por cualquiera de los ocho premios que otorga Madrid en Corto, que trae consigo otros beneficios como lo es la distribución de los cortometrajes ganadores durante un periodo de un año en los eventos y en festivales cinematográficos que se celebren tanto nacionales como internacionales.

Lo mismo ocurrirá con los premios Telemadrid La Otra otorgarán un total de 6 premios, el primero por un valor de 6 mil euros y el resto por 4 mil euros cada uno que tendrán como concepto el pago de los derechos de emisión.

La ECAM Comunidad de Madrid no se quedara atrás, pues esta también entregará un galardón, quien lo obtenga entraría de forma directa al listado de los preseleccionados para participar en la entrega de los premios Goya y tendrá derecho a hacer uso de las instalaciones de esta para desarrollar el próximo proyecto que adelante.

El Foro Profesional del Cortometraje

En esta edición, la número XXI también se celebrará el Foro Profesional del Cortometraje, esta iniciativa nació en el año 2017, con la intención de reunir a todos los profesionales de este sector y siendo este el año escogido para que se logre la consolidación mediante la inclusión de actividades para promover la colaboración y también la generación de propuestas nuevas.

Entre las nuevas propuestas podemos mencionar la más destacada que es la presentación del proyecto para la coproducción y distribución, conocido como el pitching de proyectos internacionales, pues establecieron un acuerdo con el programa Euroconnection que es de coproducción europea.  Con encuentro entre directores y actores donde intercambiaran con el país invitado, también habrá una oferta muy amplia de talleres formativos que seran gratuitos y charlas para exponer sobre tecnologías nuevas, la creación de guiones, técnicas de producción, de dirección, avances en materia de sonido, de imágenes y de muchas temáticas más.

El homenaje a Arantxa Echevarría

Ya desde el año 1991 la creadora Arantxa Echevarría había iniciado el desarrollo de una prometedora carrera profesional, conjugando sus trabajos en el cine y en el área de la publicidad, que siempre han estado relacionados con la industria audiovisual, y es precisamente por su trayectoria que será la homenajeada este año en la Semana del Cortometraje.

Arantxa dirigió en su carrera varios cortometrajes que han participado en ediciones anteriores  de la Semana del Cortometraje, entre los que se encuentran Don Enrique de Guzmán, El último bus y yo, Panchito, De noche y de pronto y presidenta.  Carmen y Lola que fue su primer largometraje y que la hizo merecedora de un premio Goya por la mejor Dirección Novel en su edición del año 2019 y también la Quincena de Realizadores de Cannes.

La programación de la XXI de la Semana del Cortometraje

Esta Semana del Cortometraje será celebrada entre los días 1 y 7 de abril y en ella participaran un total de 41 películas en la sesión oficial que incluirá una selección de cortos del festival del país invitado, el Bogoshorts que es de los más importantes en Iberoamérica, según lo anunciado por Dos Santos en la Casa de America del consejero de la cultura.

También se exhibirá una exposición fotográfica de la Barraca, que tendrá como protagonista al granadino Federico García Lorca, este fue un proyecto teatral que emprendió el poeta en el año de 1932, también en su honor se proyectará Viaje a la luna que es un corto basado en el guion que escribió el dramaturgo.

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Este terrible atentado islamista perpetrado en el mes de junio del año 2016, en una discoteca gay de Orlando dejó saldo de 50 personas muertas, fue el que impulsó al escritor Guillem Clua a crear su obra, La Golondrina es una pieza teatral que ya ha recorrido la geografía nacional y la internacional, tras haber transcurrido tres años de este horrible atentado, finalmente el montaje hará su debut en nuestra capital y estará brillantemente protagonizado por Carmen Maura y Félix  Gómez.

La actriz le explicó a la prensa que con este regreso la ha pasado genial ya que tenía 45 años sin hacer giras y llevaba ya 4 años sin subirse a un escenario, estas declaraciones fueron hechas tras el estreno de la obra en el Real Auditorio Carlos III de El Escorial el pasado septiembre, la actriz dijo haberse sentido apremiada por la energía que tiene el texto. La ganadora de los premios Goya en cuatro oportunidades también explicó que es la primera vez que ella se siente obligada a hacer una función.

También se sintió de alguna manera responsable por tener muchos amigos homosexuales y dice conocer bien los problemas familiares que sufren muchos de ellos. Sintiendo igualmente que podía interpretar este papel, que representa a una mujer normal comunicando sus sentimientos, no a una mujer antigua o un papel como el de la señorita Rottenmeier.

Carmen Maura estará encarnando al personaje hasta el día 5 de mayo en el Teatro Infanta.

Los personajes

La actriz le da vida a una profesora de canto que es muy severa llamada Amelia, esta mujer recibe al joven Ramón en su casa, que es interpretado por Félix Gómez, este joven desea mejorar su técnica pues aspira a cantar La golondrina en memoria de su fallecida madre.

Mientras la obra se desarrolla se van desvelando los detalles del pasado de la mujer, en esta obra no solo se recuerda el atentado terrorista del bar Pulse en Orlando, también el de la Bataclan en la ciudad de Paris, el del paseo marítimo en Niza y el de Ramblas en Barcelona.

El escritor Clua explicó que ambos personajes intentarán comprender el sinsentido y las consecuencias que tiene el odio y cuáles son las estrategias que utilizamos para evitar que esta nos destruya el alma.

Y es que ambos personajes se ven enfrentados al mismo hecho, pero desde dos posiciones totalmente contrapuestas, en las que podría pensarse que no existe ningún punto de coincidencia para lograr avanzar juntos, el dramaturgo también piensa que ante hechos tan horribles resulta demasiado difícil asumir una posición sensata y mucho más llegar a conclusiones de forma serena, sobre todo en tiempos tan polarizados, donde se asumen posiciones tan radicales y tan extremas, hay un aumento en la retórica del discurso machista, racista y de los LGTBfobicos.

Las artes escénicas y el arte en general son un arma poderosa que sirve para evidenciar las realidades, tanto el odio como los deseos de destruir a otros son sentimientos que no desparecen, por el contrario actualmente se encuentran en pleno resurgimiento, y hay quienes consideran que incluso tienen una identidad propia, por lo que el teatro sirve como un muro para contener todo ese odio.

La señora Amelia

La señora Amelia es un personaje de una madre que ha sido herida en su alma muy profundamente, lo que hace que se evidencie su humanidad y la capacidad que esta tiene para sentir como si fuera  propio el dolor ajeno, aun en épocas como la actual en la que parece escaso.  La señora Amelia afronta el reto de practicar la empatía, colocándose en el lugar de los otros, algo que los políticos no practican. Dando especial relevancia a la necesidad de expresar un te quiero, asi como entender la posición que asuma una madre frente a la homosexualidad.

El director de la obra Josep María Mestres, opina que este es un texto importante que tiene la capacidad de ejercer un efecto sanador sobre el público, mostrando asi dos formas diferentes de ver el mundo y también dos maneras de vivir unidos por el amor y el dolor, ambos personajes son seres dolientes que tienen la necesidad de confrontar y de entender, la obra tiene la cualidad de  una narrativa de carácter universal, lo que la hace una producción internacional.

La internacionalización

Esta maravillosa obra ya había sido acogida por el Reino Unido, en su presentación en El Cervantes Theatre de Londres en septiembre del año 2017 en su estreno mundial, La Golondrina estuvo en el primer ciclo New Spanish Writing, que fue organizado por Acción Cultural  Española en la sede de la Spanish Theatre Company.

Luego fue montada en Grecia en la ciudad de Atenas, en Italia en la ciudad de Catania, en Uruguay en Montevideo y en Rumania en Târgu Mures.

Aunque es un texto muy intenso, los artistas se comprometen con los espectadores que asistan a disfrutar de esta obra que saldrán de la sala de muy buen ánimo, ya que garantizan que se divertirán como los que ya la han visto que han quedado encantados.

Esta reconocida actriz que ya cuenta con 73 años no tiene planeado retirarse, por el contrario afirma que ya tiene varias propuestas tanto en el cine como en el teatro.

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          La risa alimenta el alma y el espíritu, por lo tanto una buena comedia cinematográfica es siempre una agradable ocasión para despejar la mente y pasar un buen rato en compañía de amigos y familiares. Es la oportunidad que nos ofrece la comedia francesa del director Ivan Calbérac, “El señor Henri comparte piso” o en su título original “L étudiante et Monsieur Henri”, que cuenta la historia de Henri un anciano viudo, acostumbrado a vivir en la soledad y tranquilidad de su hogar sin lograr superar la muerte de su esposa ocurrida hace treinta años. Debido a su delicado estado de salud su hijo Paul le convence para que acceda a colocar en alquiler una de las habitaciones de la casa. La afortunada inquilina resulta ser Constance, una joven estudiante que acaba de llegar a Paris dejando su hogar en la campiña para iniciar sus estudios universitarios. El carácter agrio y gruñón del anciano rápidamente contrasta con la alegría y el ánimo desenfadado de la joven, la convivencia necesaria para ambos se torna en un constante enfrentamiento de ideas en el que cada uno deberá ir cediendo terreno para lograr cada uno sus propósitos.

Sin embargo, un evento inesperado le da un giro repentino a la historia, el desagrado que siente Henri por su nuera lo mueve a proponer a Constance la ejecución de un plan para separar a su hijo de su pareja actual; la joven accede aprovechando la ocasión de la visita de Paul y su novia a la casa de su padre, donde ahora ella también reside. Las intenciones del anciano y la estudiante desencadenan una serie de sucesos que llevaran a la familia a una situación de caos y controversia, en la que cada uno tendrá algo que aprender.

El elenco protagónico está conformado por el veterano Claude Brasseur (Henri); Guillaume de Tonquédec (Paul); Noémie Schmidt (Constance) y Frédérique Bel (Valerie), todos bajo la dirección de Ivan Calbérac, quien afirma que el film está basado en una obra teatral escrita por el mismo y que se presento con gran éxito por varias temporadas en los teatros parisinos, sin embargo, la adaptación de la pieza al cine ha sido un trabajo muy bien logrado al punto que resulta imperceptible para el espectador que se trata de una película con un origen teatral. En general la película ha recibido muy buenos comentarios de la crítica elogiando aspectos como la coherencia y limpieza de la secuencia y la transición de las escenas, la ambientación, el trabajo en exteriores y el equilibrado balance que surge entre el drama y la comedia.

Es un film que divierte y entretiene pero al mismo tiempo pone en evidencia que más allá de las barreras generacionales, las diferencias personales y los enfrentamientos entre los diferentes puntos de vista que puedan tener los seres humanos, al final todos nos necesitamos, nos complementamos y nos encontramos con frecuencia ante situaciones de la vida en las que el apoyo, la solidaridad y la aceptación son valores que marcan la diferencia entre el fracaso y el éxito ante los retos personales que debemos enfrentar.

En Madrid el film ha comenzado a exhibirse en diversas salas de cine desde inicios del mes de marzo. Algunos de los cines que ofrecen funciones del film son los siguientes: Cines Acteón a las 16:30 hrs. Cines Princesa a las 18:20 hrs. Cinesa Manoteras 3D a las 16:00 hrs. Kinépolis Madrid a las 16:30 hrs.  Cinesa Nassica 3D a las 16:00 hrs. Cinesa Heron City Las Rozas 3D con horario de las 16:00 – 18:00 – 20:00 – 22:00 hrs. Las entradas también pueden adquirirse on line a través del portal: https://www.sensacine.com/

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Los profesionales que se dedican al mundo del espectáculo, la actuación y el entretenimiento reconocen con gran facilidad que una las tareas más difíciles desde los escenarios es lograr las risas y carcajadas entre el público asistente. El arte de hacer reír parece ser un don natural que muy pocas personas poseen y de los cuales también son muy pocos quienes se dedican con pasión y entusiasmo a compartir momentos de diversión a través de un monologo, sketch, actuación o cualquier otra forma de presentación que permita brindar una ocasión para la alegría a los demás seres humanos.
Por ello, los buenos comediantes calan muy fácilmente en el corazón y la simpatía del público quienes los siguen y disfrutan de sus ocurrencias una y otra vez. En esta temporada regresa a las salas de Madrid un espectáculo humorístico que lleva ya un tiempo recorriendo con gran éxito las principales ciudades de España, se trata “Hasta aquí hemos llegao” una propuesta que reúne a tres grandes showmans españoles: Leo Harlem, José Ignacio Salmerón “Sinacio” y Sergio Olalla, quienes ya poseen el reconocimiento del publico dada su larga trayectoria en los escenarios nacionales.
En esta ocasión los comediantes hacen un divertido recuento de las diferentes situaciones y vivencias que forman parte de la vida en los escenarios y los avatares que sufren entre los viajes, ensayos, presentaciones, improvisaciones y demás incidencias ligadas a cada función. Así los cómicos logran mantener al público cautivado durante poco más de 90 minutos demostrando sus grandes dotes histriónicas, así como su capacidad para reírse de sí mismos y hacer reír a los demás.
José Ignacio Salmerón conocido en los escenarios como “Sinacio” es un comediante avilés con amplia trayectoria en el mundo del espectáculo que aunque tránsito por la publicidad y más tarde llegó a combinar la magia y el humor, pero se enamoró definitivamente de la comedia cuando comenzó a participar en el “Club de la comedia” donde le dieron la libertad de crear sus propios guiones.
Sergio Olalla un humorista  segoviano con un talento innato para la comedia que ha sabido cultivar a lo largo de su vida preparándose académicamente en el teatro y participando desde muy joven en presentaciones de Stand up comedy que por la gran aceptación del público le ha llevado a viajar por innumerables ciudades dejando cantidad de rostros sonrientes entre los asistentes. Su estilo se considera muy genuino y sencillo con gran facilidad para el absurdo y la espontaneidad.
Leo Harlem es un comediante leonés que se ha destacado por sus ocurrentes monólogos en los que suele tratar con frescura, simpatía y mucho humor aquellas circunstancias cotidianas de la vida que llegan a resultar contradictorias o irónicas.

La cita del espectáculo es en el Teatro Infanta Isabel, que se encuentra en la calle Barquillo, 24, 28004, Madrid. En los siguientes horarios: jueves y viernes 20:00 hrs. sábado doble función a las 18:00 hrs. y 20:30 hrs. y los días domingo 18:00 hrs. las presentaciones se extenderán hasta el 26 de junio de 2017. Las entradas tiene un costo de 20 euros y puede adquirirse on line a través de las siguientes páginas web: gruposmedia.com, www.elcorteingles.es, y www.grupobalana.com.

Sin duda un show que contará con la asistencia de quienes todavía no lo han presenciado, pero también de muchos otros que repetirán la oportunidad de reír sin parar con el talento desbordado de estos tres grandes personajes de la comedia teatral española. Es posible asistir entre amigos, familiares e incluso en compañía de los niños ya que se trata de un espectáculo dirigido a todo público, solo se debe tomar en cuenta que todas las edades pagan su entrada.

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Góspel es un género musical que tradicionalmente ha convocado las mejores voces afroamericanas del sur de Estados Unidos. Su historia se remonta al siglo XVIII en el marco del surgimiento de la iglesia cristiana evangélica en las poblaciones sureñas como Luisiana, Virginia, Tennessee, Alabama y otros; en los cuales la conversión de muchos esclavos al cristianismo dio pie para la aparición de cantos de alabanzas que aprovechaban las extraordinarias voces negras en los coros de las iglesias. La pasión, el sentimiento y la emotividad con la cual se interpretaban las canciones dio origen a un estilo completamente diferente que paulatinamente fue difundiéndose por todo el país y que hoy es conocido en todo el mundo.

Entre los espectáculos que el público madrileño puede disfrutar durante el mes de diciembre está el “Festival de Góspel” que se ha iniciado desde 09 de diciembre y tiene previsto culminar el 18 de diciembre, el mismo se realiza en la Sala Guirau del teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa.

El festival cuenta este año con la actuación del London Community Gospel Ensemble un reconocido coro góspel del Reino Unido que fue formado en 1982 por el reverendo Bazil Meade y cuyo estilo flexible y dinámico que se aprecia en la incorporación de ritmos como el rhythm & blues y sonidos caribeños y africanos que junto a la creación de enérgicas coreografías le ha otorgado una fama que los ha llevado a trascender el espacio religioso para participar en la grabación de películas como el “Rey León” y compartir escenario con artistas de la talla de Celine Dion, Madonna, Tina Tuner, George Michael, entre otros.

Junto a ellos el denominado “Coro de la Herencia Negra” o “Black Heritage Choir”; un grupo coral proveniente de Mississippi que se presenta con un nutrido repertorio que va de los himnos y los cantos espirituales al góspel contemporáneo como una forma de rendir homenaje a la cantante Aretha Franklin, considerada una leyenda de la música negra y que tiene el mérito de haber incursionado en el pop sin desmejorar el góspel tradicional.

También actuará la conocida intérprete de jazz y soprano lirica Bárbara Hendricks, quien además de su calidad vocal se ha destacado como activista y defensora de los derechos humanos, en esta ocasión se presenta con el espectáculo “The Road to Freedom” que contiene canciones alusivas a la lucha de los esclavos afroamericanos por la libertad y el posterior movimiento social en pro de los derechos civiles emprendido por Martin Luther King.

Finalmente destaca la participación del “South Caroline Gospel Chorale” un grupo coral fundado en 1997 por Wayne Ravendell para lo cual se convocaron las voces más destacadas provenientes de las diferentes iglesias de Charleston, Carolina del Sur. Actualmente es dirigida por Michael Brown, quien ha logrado imprimirle  a la agrupación una mayor variedad rítmica y escénica. El coro realiza giras por todo el mundo con unas 9 a 15 voces acompañadas de piano u órgano, guitarra, bajo y batería, dando a conocer la espiritualidad, fuerza  y emotividad del góspel en cada presentación.

La Programación detallada para los conciertos restantes se presenta a continuación:

• 14 y 15 de diciembre

Barbara Hendricks presenta «The Road To Freedom»

• 16 de diciembre

South Carolina Gospel Chorale

• 17 de diciembre

Black Heritage Choir presenta «A Gospel Tribute to Aretha Franklin»

• 18 de diciembre

London Community Gospel Ensemble

El horario de los conciertos es de martes a sábados a las 21:00 hrs. Y los domingos a las 20:00 hrs. Las entradas tienen un costo de 35€ y pueden adquirirse a través del portal web del teatro: https://teatrofernangomez.esmadrid.com/. Para mayor información es posible comunicarse al número telefónico: 914 362 540

Un excelente evento para quienes les apasiona el disfrute del góspel, un género cargado de espiritualidad, historia, calidad vocal y mucha energía.

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Pocos géneros del espectáculo brindan al público las bondades de la zarzuela, la cual contiene en una sola función actuación, música, dialogo, canto y baile. Su origen se remonta a la España del siglo XVII, cuando el monarca Felipe IV, quien era un gran admirador del teatro acostumbraba a utilizar el pabellón del Palacio de la Zarzuela, llamado así por rodeado de zarzas, para realizar presentaciones nocturnas. En alusión a ello, Lope de Vega incluye en su obra “La esposa de los cantares” de 1620, el siguiente comentario: “Mudan aquí el baile y dicen el de la zarzuela”, el cual dio origen al nombre de este género.

“La Verbena de la Paloma” es una de las obras más típicas y representativas de la zarzuela española ambientada en el Madrid tradicional del siglo XIX cuenta la historia de Julián, un joven cajista de imprenta quien al ver a su novia Susana y su hermana, Casta, pasearse del brazo de Don Hilarión, un acaudalado boticario, llega a sentirse sumamente celoso y movido por la pasión arma un escándalo. Las chicas coquetean abiertamente con el adinerado anciano por recomendación de su interesada tía, Antonia, quien pretende sacar provecho económico de aquel hombre. Las intenciones de la tía se ven entorpecidas debido al arrebato de celos de Julián.

El libreto original de la obra se le atribuye a Ricardo de la Vega, de quien se cuenta que tomo la historia de una conversación que sostuvo con un joven cajista que colaboraba con él en su trabajo cotidiano como escritor de la revista “La Gran Vía”. Un día en el que notó al muchacho algo cabizbajo le preguntó acerca de lo que le pasaba y este le refirió que se había peleado con su novia por verle paseando junto a su hermana en un coche a caballo y un viejo por el cual se dejaba alagar, y que tenía pensado armar un escándalo de encontrársela en la verbena de la Paloma. Poco imagino el dramaturgo que aquel relato daría origen a una exitosa zarzuela. Una vez culminado el libreto, se le entregó al famoso compositor  Ruperto Chapi para que creará la música, pero debido a diversas circunstancias el este no pudo asumir la labor y le fue encargada a Tomás Bretón, un músico apasionado por la opera que en tan solo 19 días logro concluir lo que sería una de sus composiciones musicales más admiradas.

“La Verbena de la Paloma” se estrenó el 17 de febrero de 1894 en el Teatro Apolo de Madrid, y para ese momento representaba una obra moderna, plagada de personajes actuales y pintorescos que conformaron una historia que llegó a conectarse fácilmente con el público asistente, otorgándole un contundente éxito que se ha propagado a lo largo de los años y que la mantiene como una pieza clásica de la zarzuela. La fama de la obra ha trascendido las fronteras dándose a conocer en toda Europa y gran parte de América, de hecho ha sido llevada al cine en tres versiones cinematográficas diferentes que corresponden a los años 1921, 1935 y 1963. Asimismo, la belleza de sus composiciones musicales ha dado pie para la recopilación discográfica de los temas que la conforman en al menos 06 ocasiones, siendo la más reciente producción una grabación en formato DVD del año 2008 que contó con la participación de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid bajo la batuta de Miguel Roa.

El público madrileño podrá disfrutar una vez más de esta destacada obra en una próxima presentación a cargo de la compañía Ditirámbak y bajo la dirección de Oscar Cabañas, que tendrá lugar en el Teatro Victoria de Madrid desde el 07 hasta el 29 de diciembre, en horario de las 18:00 hrs.  Las entradas tienen un costo de 12,00 € y pueden adquirirse on line en: https://www.ticketea.com/entradas-verbena-paloma-teatro-victoria/.

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El bolero es un género musical que llegó para inmortalizarse como el ritmo del romanticismo, a lo largo de su historia muchas han sido las parejas que han vivido los más dulces momentos de amor ambientados con un bolero como música de fondo. Su aparición data desde hace más de 170 años, se conoce como originario de Cuba, donde se tocaba como parte de la música típica de ese país ya desde mediados de 1840. El primer bolero con mayor difusión es el tema “Tristezas” escrito por José “Pepe” Sánchez, en 1883 y se considera el momento del nacimiento formal del género, a partir del cual evolucionó y se dio a conocer en todo el mundo.

Una parte importante de la historia del Bolero ha sido protagonizada por el conocido trio “Los Panchos”, conformado originalmente por dos mexicanos, Chucho Navarro y Alfredo Gil, y un puertorriqueño Hernando Avilés Negrón, quienes a partir de 1940 lograron una mayor difusión del género al arriesgarse a interpretarlo a tres voces acompañados de guitarras y añadiendo el requinto. Esta innovación logro un importante éxito y llevo al bolero hacia los rincones más apartados del planeta, de hecho el famoso trio tiene el mérito de haber llevado el bolero a latitudes tan distantes y culturalmente diferenciadas como Rusia, China y Japón.

La historia musical de esta agrupación es muy extensa de hecho llego a grabar más 250 álbumes, y aún hoy en día es recordada con muchos de los temas que interpretaron y que siguen siendo éxitos en las voces de cantantes jóvenes quienes se animan a dejarse llevar por la dulzura y la pasión que transmite el bolero. Una de estas jóvenes figuras es la destacad cantante española Tamara, quien ha puesto su indiscutible talento vocal al servicio del bolero para el deleite del público que tiene el placer de disfrutar de los temas más conocidos en la inigualable voz de la artista. Desde sus inicios Tamara ha tenido el bolero como uno de sus géneros favoritos y recientemente se ha motivado a realizar una serie de presentaciones al lado del legendario Rafael Basurto Lara, conocido como la última voz de los Panchos, debido a que fue uno de los últimos cantantes que se incorporó al trio, específicamente en 1976, desarrollando una extensa trayectoria con la agrupación.

Actualmente  se realiza lo que sería el segundo ciclo de un “Tour” que ha llevado a estas figuras a recorrer diferentes ciudades de España durante este año 2016 y el cual se espera culmine a principios del 2017, cuando los cantantes deben asumir sus respectivas jornadas de trabajo para la grabación de nuevos álbumes. Para este espectáculo denominado “Encadenados al Bolero” los cantantes cuentan con el acompañamiento de guitarras, piano y percusión, imprescindibles para interpretar los grandes éxitos conocidos, aunque también se incluyen nuevas composiciones más recientes de autores más jóvenes, lo cual lo convierte en un show ideal para los amantes de la música romántica sin limitaciones de edad.

El próximo 30 de noviembre será el turno para el público madrileño de disfrutar de esta presentación, la cual es una excelente ocasión para rememorar los inolvidables temas de bolero que se hicieron populares en los años 50, el escenario seleccionado será el Teatro Nuevo Apolo de Madrid en horario de las 20:30 hrs.

Las entradas tienen un costo a partir de 20 € y están disponibles on line a través del portal web https://www.ticketea.com/entradas/tamara-los-panchos-madrid/.

Sin duda una velada única para disfrutar en pareja, en compañía de amigos, familiares o todos quienes estén dispuestos a dejarse seducir y enamorar por el encanto del bolero, tararear las canciones o simplemente deleitar sus oídos con las melodiosas voces de estos artistas.

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